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2026年1月9日下午，在陕西省美术博物馆二楼青年艺术家沙龙展厅举行了“非确定性场域——个展”的作品分享会活动。西安美术学院跨媒体艺术系公共艺术教研室主任、青年艺术家，西安美术学院跨媒体艺术系实验艺术教研室主任、副教授杨晨，西安美术学院跨媒体艺术系公共艺术教研室青年教师刘铁源分别就议题以及展览进行讨论分享。由陕西省美术博物馆策展人郝伊主持分享会。
欢迎各位同仁、西安美院跨媒体艺术系的同学参加本次李靖康个展作品分享会。本次活动聚焦李靖康的艺术创作实践，其个展作为陕西省美术博物馆青年艺术家沙龙系列的特色呈现，以装置为核心载体，融合数字艺术影像与多元互动装置，构建了独特的具有前卫性的艺术场域。李靖康近期活跃于各类公共艺术节及全国性装置雕塑展览，作品被多家机构报道及收藏，《作为质疑的方式》等代表作在各地展出时，凭借与观众的深度共情获得了广泛的接受与赞誉。
他的作品之所以较受青睐，原因主要在于其与观众之间形成的亲近感与无距离感。此次我们预设了三个专业议题：“公共艺术的范式转向——技术介入背景下的身体经验与空间机制研究”“面向未来的公共艺术研究——跨媒介实践教学路径与学科边界问题”“非确定性研究方法——公共艺术中的场域生成和感知重构”。考虑到议题的专业性，我希望先从公众普遍关注的维度切入，探讨公共艺术与社会、公众的关系。公共艺术作为民生诉求与城市形象的双重载体，既是社会持续健康发展的文化表征，也是城市空间的装饰与审美对象，更承担着联结艺术家与公众的桥梁功能，通过强化互动性与参与性，深化艺术与社会的共生关系。
下面，我想有请各位分享对上述议题的见解，并探讨李靖康作品中值得进一步挖掘的核心问题。
感谢各位参与本次学术交流。结合郝伊老师提及的选题方向，借由本次展出的系列作品，我想先就公共艺术创作中的核心命题展开探讨——
其一，如何平衡艺术家个体创作与受众接受之间的关联度。相较于国油版雕等传统艺术形态，我始终关注公共语境下的当代转化，而艺术本身就具有强烈的主观属性，即便置于公共艺术的语境中，创作者与决策者的主观判断仍是不可忽视的核心变量，这一因素贯穿于我的整个创作过程。回归到公共艺术的本质，通过媒介创新、载体拓展与传播革新，实现艺术与公众的广泛联结显得很重要。
其二，关于创作主线的探索。随着人工智能的广泛运用，我深刻感受到新兴技术与媒介对人类感知系统的快速刺激与迭代，这促使我反思：空间美学中既定的审美概念与认知范式是否依然坚不可摧？这一追问构成了我当前创作的核心主线——持续的质疑与探寻。这种质疑并非简单的否定，而是在时代发展洪流中构建主体性思考，追问感知世界的真实性：我们所感知的时空与场域有没有客观实在性？抑或仅是主观建构的局部认知？
因此，我的作品呈现出虚拟与具象交织的特征，创作始终围绕人类最原始的存在命题展开：我从何而来、我是谁、我的意义是什么？即便在技术飞速迭代的当下，这些原点性问题仍是艺术创作无法回避的核心。
其三，面向未来的公共艺术教育与实践突破。作为艺术学院体系下的一名教师，我们如何在新时代语境下建构公共艺术的教学与实践体系，这需要突破性的探索。我希望能与师生团队及其他院校、领域的理论学者合作，拓展公共艺术的学科边界，挖掘非传统范畴内的可能性，推动公共艺术在未来十年、二十年实现学科交叉与拓展，同时为教育教学体系的革新提供理论与实践支撑。后续我将结合展览作品，提出具体思考方向，供各位深入探讨。
李靖康的创作理念与其教学实践高度契合，作为高校教师，他强调公共艺术应打破认知围笼、走出象牙塔，实现艺术与公众的深度联结。这一理念对跨媒体艺术系的同学具备极其重大启示：未来创作需实现传统美学与新媒体技术的有机融合，以受众为中心，强化艺术与社会的关联性，方能创作出具有广泛影响力的作品。
公共空间与公共艺术之间有本质性关联。世界由无数相互关联的空间构成，涵盖被遗忘的落寞空间、充满了许多活力的公共场域等多元形态，而公共性的核心正是人与人之间通过互动建构的社会关系。
王檬檬老师为李靖康撰写的评论文章中提出，当代公共艺术的核心目的并非创造具象形象，而是构建激活人际关联的场域——通过特定活动生成创作者与受众的互动结构，形成新型公共互动模式，这与“关系美学”中尼古拉斯·布瑞奥德的核心观点形成呼应。在当代语境下，公共空间的核心价值不再是静态的景观呈现，而是通过激活人与人之间的情感，形成联结与意义的共鸣。
公共空间中的艺术作品始终承载着集体记忆。上世纪公共艺术多以高大纪念碑、大型英雄雕塑为主要形态，这类作品承载官方叙事，但其宏大统一的表达方式往往难以容纳个人情感的细微经验。但如今已逐渐边缘化。当下涌现出大量更为个体化的公共艺术案例，其叙事既包含个人体验，又蕴含能引发公共共情的普遍价值，在公共空间活动中被激活，创造出契合当代人精神需求的文化价值，使公共空间获得了多元诉说的可能性。
绘画中的透视与空间建构本质上是主观化的视觉设计，观赏者需在固定视角下凝视、解读。而公共空间中的艺术作品打破了这种静态框架，观众需通过身体介入、平衡感知等实践方式，在不确定的空间中游走、探索，逐步构建对作品的理解，这种体验与传统的观看和感受方式形成本质区别。同时，公共艺术始终承载着公众的权利意识，法国里昂市政府门口喷泉的改造案例便是典型——通过民众表决，喷泉从纪念性场所迁移至靠近居住区的区域，成为服务日常休闲的公共空间，这一过程彰显了个体意志在公共艺术中的核心地位。
综上，公共艺术的核心价值在于通过空间建构激活人际关联、承载公共权利，其时间与空间的呈现方式突破了传统艺术的线性与静态局限，具备极其重大的学术探讨价值。李靖康的作品中蕴含着丰富的公共性思考，后续可进一步深入挖掘。
感谢杨教授的深度分享，接下来有请刘铁源老师从艺术与公众的关联维度展开论述。
从当代艺术发展的新趋势来看，各类艺术表现形态均呈现出明显的公共化转向。此处的“公共化”并非单纯指向公共性的概念阐释，而是艺术创作在观赏方式、内容逻辑、精神共鸣与主题表达等维度，均开始主动考量公众需求，强化与现场受众的即时性关联。
“共生”已成为2025年学术领域的高频关键词，尤其在科技艺术与公共艺术领域，其核心要义在于通过艺术媒介构建人与人之间的深度联结。公共艺术作为承载这一理念的核心载体，关键命题在于：如何通过艺术表达的形式创新、思想内核的深度挖掘与对世界的独特观察，与公众建立精神层面的深度共鸣。这也是我们在创作实践与教育教学中持续探索的核心问题——闭门造车式的创作会导致作品脱离社会语境，其存在性与价值难以获得公众确认，李靖康的《我们如此接近意义》便以隐喻性的“问号”，引发了对艺术与世界关联的深层思考。
公共艺术的发展的新趋势表明，艺术已不再是孤立的审美客体，而是成为联结个体与社会的文化纽带，其价值实现依赖于与公众的互动、共鸣与共同建构。
杨教授与刘老师的分享颇具启发性。杨教授提出公共艺术是人与人的沟通桥梁，其形式多元化特征突破了传统架上绘画的平面性局限，这一观点揭示了当代公共艺术的本质属性。公共艺术与影像等多元形式不仅拓展了艺术的呈现边界，更蕴含着对人与人、人与社会关系的哲理性思考，具有广阔的学术探讨与发展空间。
作为展览，策展人的核心功能之一，便是打破艺术创作的封闭性。通过将作品置于公共空间，使其接受公众的讨论、批评与验证，在多元反馈中完善作品的艺术表达与社会价值，避免闭门造车式创作导致的艺术生命力枯竭。公共艺术的政治性与公共性本质上是统一的，其最终目的是通过艺术介入，推动公共空间的优化与社会关系的良性建构。
结合以上的探讨，我们进一步聚焦李靖康的作品本身，进一步探索其创作构思的缘起，以及选择在公共艺术节展出的核心考量，探寻作品背后的生成逻辑。
我以参展频率较高的气模作品为切入点展开说明。该作品陆续参与了四、五个省份的公共艺术活动，其创作始终以公众反馈为重要参照。在阿那亚沙滩展出时，偶然出现的场景成为作品核心立意的重要启发——两位小朋友未受规则束缚，径直踩踏充气装置嬉戏。这一场景恰好构成了有趣的学术命题：儿童对符号化规则的无感与成人世界既定的秩序符号之间形成强烈冲突，而踩踏行为本身又消解了这种冲突。原本用于划定行进路线的规则符号，在公共语境中被转化为多维度探讨的载体。最初我设计的方案是让气模从沙滩延伸至海中，但出于公共性前提下的安全考量，最终采用折中方案：天气适宜时，气模散落在沙滩上形成独特视觉景观。这一创作并非源于反叛精神，而是基于对日常规则的质疑态度——通过构建轻松的互动体系，与受众形成深度关联，进而产生意想不到的视觉与体验补充。
作品选用艳丽材质，从感官层面拉近与公众的距离，使其愿意主动去参加了，这种互动本质上回归了人类最本真的感知状态，呼应了“我从何而来”“存在的意义”等原点性哲学命题。而这一系列作品的思考，也延伸至AI等数字化领域：在技术洪流中，人类被迫参与算法推演，面对技术爆发式发展时难免陷入惶恐。初期我们试图抗拒，但技术的不可逆性已然显现——其迭代以人类难以企及的构想为基础，只要能源与硬件支撑充足，便能快速产出超乎想象的成果。
近两年国内外AI的崛起，促使行业思路发生根本性转变，我们不得已拥抱这一时代趋势。但技术带来便利的同时，也带来了被裹挟的无力感与束缚感：人类可能逐渐沦为技术的附庸，创作中甚至会陷入“被AI牵引”的困境。我曾构想将影像作品延伸为“数字分身”，通过硬件迭代构建数字化自我形象，但也面临深层质疑：算法持续迭代下，人与数字分身的关系将如何演变？是否会出现创作者反过来被数字分身指导创作的局面？
更值得警惕的是，我们当前接触的仅为民用级AI技术，其高精尖实验层面的发展可能已远超公众认知，科幻电影中的场景正逐步成为现实。这引发了艺术创作的核心追问：当AI能够左右人类的审美判断与创作逻辑，甚至提供精准的观念加持时，艺术创作的本体意义何在？AI的快速的提升必然带来危机感，而这种危机感的价值在于促使人类对未来保持敬畏，持续思考与创造——知识迭代的滞后性，正是危机感产生的核心诱因。
从媒介演变的学术视角来看，当创作者在传统媒介上投入的研究越多、审美与身份认同越深，新兴技术对创作流程与评价体系的重塑就越容易引发强烈的不确定感与焦虑。面对这种冲击，不同创作者呈现出差异化选择：部分人选择突破固有边界主动适应；部分人则采取抗拒态度，无视技术发展，最终可能因理念与技术双重脱节而面对更为巨大的困境。
我自身的创作经历也印证了这一点，使用AI工具后，绘画效率大幅度的提高，以至于难以重拾画笔——当想法产生时，习惯于先借助AI生成基础内容再做修改，反观自身手绘能力，已明显不及AI产出。这也解释了当前诸多美术专业面临合并或取消的行业现象。
AI的冲击本质上是对创作者长期积累的专业经验与个体价值的消解。其可快速复刻既有成果的特性，使得从业者数十年的积淀面临被轻易抹平的风险，这种对创作价值的量化否定引发了深层质疑。新生代在技术环境中成长，虽能便捷获取资源，但也可能因过度依赖而产生隐性恐慌。更核心的问题就在于，AI的普及可能会引起创作的“去经验化”——长期积累的专业感知与个体思考被技术替代，创作的独特性与人文价值将面临严峻挑战。
结合前文对AI与艺术创作的探讨，我们进一步聚焦教学核心议题——在技术迭代的背景下，未来学生的基础知识培养与艺术教育的本质该如何坚守，这一问题值得深入商榷。
艺术教育的基础训练核心，在于构建学生的审美认知体系。即便AI工具已被大范围的应用，美育仍是无法替代的前提——唯有让公众（包括学生）理解“何为优质创作”，明确审美标准的量化维度（如规范、逻辑等），才能在技术辅助的创作中保持主体性。
我们采用工作流训练模式，通过反复实践（十次乃至百次的练习）让学生熟练掌握技术操作，但创作的关键节点——何时收尾、如何定论——始终依赖人为判断。这一过程中，大量阅读与实践积累不可或缺，软件迭代的优化目标也需通过持续实践来校准。
代际差异同样需要我们来关注：2000后、2010后出生乃至未来的新生代人群，与技术的距离感显著小于70后、80后、90后。他们自幼沉浸于智能设备的陪伴式服务，对技术的来源与逻辑缺乏质疑，形成天然的亲密感。这种差异使得新生代对技术的接受更为顺滑，而我们这一代人则往往在抗拒与适应之间挣扎——因学科或专业需求，不得不硬着头皮接纳技术，却始终难以摆脱对既有积累被否定的焦虑。
更核心的教育命题在于，艺术教育不能仅停留在技能传授，情感培育与质疑精神的塑造至关重要。艺术家的独特性源于其被激活的性格特质，而这种特质的核心，是对现实的质疑意识、对边界的挑战勇气，以及对现有世界的深层质疑精神——这正是AI无法复制的人文内核。
近两年来，我也在主动调整研究路径以适应技术洪流。基于个人成长经验中与技术性表达的疏离，我选择主动学习而非被动回避，通过跨学科实践探索新的研究可能。例如在天津美院举办的科技艺术论坛中，我们借助AI质询机制，结合Python、Processing等工具对电影进行数据化解构：剥离传统叙事逻辑与手法，通过时间和空间采样所得到的参数将影响转化为数据切片，实现从档案数据到样本分析的转化，这种解读方式为艺术研究开辟了新的学术维度。
值得强调的是，以公共艺术为代表的强调人为介入的专业领域，其空间属性与人文干预特质决定了其在AI中的替代率是有限的。这一特性也为艺术教育提供了明确方向：聚焦AI无法替代的人文思考与实践介入能力，是未来教学的核心发力点。
介于AI在公共艺术领域的局限性，尤其在落地实施经验与试错能力的培养上，我认为AI为首的技术是无法从根本上替代人的实践积累。大型公共艺术项目的综合呈现中，突发性问题频发，解决这类问题的能力，依赖于跨领域知识的融合与长期实践的沉淀——这正是教学中需重点强调的“试错教育”。例如，学生在实践中因接线失误烧坏电机，虽产生一定经济成本，但这种直接体验能培养其应对复杂问题的能力：若无法直面实践损耗，未来面对大型项目的突发状况时，便难以具备相应的解决能力。
我对技术普及的担忧，更集中于年轻人的认知与成长层面。过度依赖AI的便捷性，可能会引起其丧失主动学习的动力——不仅是专业相关知识的积累，更包括对文化瑰宝的认知与传承。我始终倡导年轻人多接触各类经典文化载体，因为许多深层感受唯有通过亲身体验才能形成，AI的文字总结或碎片化信息无法传递真实的情感共鸣与认知深度。这种虚拟的信息获取方式，会导致人与世界的联结趋于虚假，进而消解独立思考能力，最终形成随波逐流的同质化人格，这一现象极具警示意义。
我高度认同这一观点。当前年轻人获取信息的便捷性，在某一些程度上弱化了其对特定课题的深耕能力——部分人不再愿意为钻研某一领域投入充足时间，这种“浅尝辄止”的认知模式值得警惕。若过度依赖AI的检索功能，认为无需学习记忆知识，仅通过技能操作即可获取所需，便会丧失学术研究与艺术创作的核心动力。
艺术教育的本质，除了技能与审美培养，更在于情感的唤醒与质疑精神的塑造。每位艺术家的独特性，源于其性格中对现实的质疑欲与对边界的突破意识——这种对现有世界的主动质疑，是AI无法模拟的人文内核，也是艺术教育需坚守的核心价值。
李靖康的气模作品在美术馆语境中的呈现，构建了具有突破性的艺术体验。该作品将当代艺术领域持续探讨的尺寸议题推向极致，其核心价值在于打破了美术馆既定的秩序性与审美惯性——通常被视为“障碍”的形态，以公共艺术的姿态进入传统展览空间，既形成了强烈的视觉张力，又通过可触摸的互动属性，让观众摆脱了被动观赏的桎梏，获得了多元感知维度。这种对空间功能与审美边界的解构，为美术馆的艺术呈现提供了新的可能性。
该作品带来的“陌生化体验”具备极其重大的学术价值，其最初在阿那亚沙滩的呈现堪称公共艺术的理想场域实践。王檬檬老师在文章中提及的“景观”与“漂移”概念，为解读作品提供了关键理论视角。“漂移”作为情境主义领域的专业术语，兼具创作方法论与语义延伸性：既是艺术创作语境中的派生和延续的概念，又蕴含“飘荡、远离”的哲学意味，与兰波诗歌中“解开半岛的缰绳，让它感受大海”的意境相契合，深刻呼应了《景观社会》理论的核心命题——如何通过艺术介入激活生活的多元价值。
气模在海边的形态，既是对公共空间的暂时性“阻碍”，又激发了“脱离海岸、漂浮于水”的想象，这种矛盾性恰恰突破了空间的固化认知，让瞬时性、暂时性的艺术形态成为建构真实体验的载体，拓展了生活经验的可能性边界。此外，李靖康未展出的机械臂盲文装置，与气模作品在视觉逻辑与思想内核上一脉相承：机械臂在盲文上的无目的触碰，形成了“正常人无法解读、盲人无法感知”的双重疏离状态，这种对感知边界的解构，引发了对感官的深层反思——正如视觉与触觉的感知重要性之间的争论一般。
值得强调的是，这类作品对材料与技术的掌控，本质上是艺术家对世界反思的视觉转译，其不可替代性正源于人文精神的注入。当气模作品进入传统古典艺术氛围浓厚的美术馆时，不仅未产生违和感，反而成为焦点，其核心原因主要在于通过艺术家的介入更改了我们对空间原有的认识。这种创作逻辑背后，是一种以介入性实践打破公共空间固化认知的艺术态度：通过低成本、即兴化的介入策略，快速激活原本封闭的公共空间，让它变得有趣或者陌生，甚至有可能将观众转化为艺术实践的参与者，为公共艺术的在地性表达提供了灵活路径。
基于对作品的深度解读，我们进一步聚焦核心议题——请李靖康分享未来的创作方向，同时也可谈谈未展出作品的创作构想。
未来的创作将围绕三个核心方向展开，同时也回应公共艺术创作中的核心矛盾与学术命题。
其一，探索公共艺术创作中商业关联与创作自主性的张力平衡。公共艺术的体量与落地属性，决定了其无法脱离商业支持与公共空间的约束，这使得创作者往往陷入“双重角色”的割裂：既需作为“说客”争取资金与场地支持，又需在商业妥协中坚守创作初衷。我的理想创作状态，是在获得公共或商业资本支持的同时，保持作品表达的绝对自主性。未来我将持续探索这一平衡路径，核心目标是让作品在公共视野中完整呈现其思想内核，避免因外部约束而消解艺术价值。
其二，延续“以微小事物撬动深层质疑”的创作逻辑。真正具有穿透力的艺术思考，往往不依赖宏大叙事，而是源于对日常生活中细微现象的敏锐捕捉。艺术作品无需追求形式上的完美，其核心价值在于提出问题而非解决实际问题——正如大师之作的永恒性，恰恰在于其能持续引发观众对既定事物、固有经验的反思。未来我的创作将继续聚焦这类“微小切口”，通过具象或虚拟的艺术语言，触碰人类存在的原点性问题与时代发展的核心矛盾，激发公众的独立思考意识。返回搜狐，查看更加多
